Dogville, las personas y los Perros

Dogville es una de mis películas favoritas. Se trata de una película muy bruta, no deja a nadie indiferente, ya sea por su escenografía ( o mejor dicho, la ausencia total de ella) como por su mensaje. A mí lo que me fascinó fue precisamente esto último. Es un auténtico ataque contra la moral cristiana de occidente, contra el lema tan extendido de "poner la otra mejilla" y perdonar siempre al prójimo. Dogville apoya al individuo, defendiéndose a sí mismo, lo que siempre ha sido tildado de egoísmo por nuestra moral. La vuelta de tuerca al comportamiento convencional resulta cuanto menos impactante. Quien crea en ciertas cosas y vea la película, se sentirá confundido, quien menos, le hará pensar. Para mí de cualquier forma, supone un ataque tan bueno y directo contra los valores que tanto hemos oído, escuchado y repetido, que sólo por eso merece ser vista.
Grace es una hermosa mujer (Nicole Kidman) que llega a Dogville, un apartado y pequeño pueblo de EEUU, huyendo de unos gánsters. Allí la recibirán con desconfianza, después decidirán protegerla y esconderla. Para ello, llegarán a un acuerdo con ella: Grace deberá ganarse su confianza y demostrar que realmente es una buena persona.

Dogville plasma la degradación de las relaciones humanas hasta límites insospechados. A algunos les parecerá sin duda exagerada, pero lo que narra no es tanto algo real como simbólico. (Pedir "realismo" a una película rodada íntegramente en un plató casi vacío, resulta de todos modos, algo gracioso.) - A partir de aquí, si no queréis spoilearos el final, no sigáis leyendo, aunque creo que igualmente puede resultaros interesante la película)-

La historia del pueblo de Dogville empieza como un cuento maravilloso, y acaba en un auténtico desastre. Nadie imagina que las cosas pudiesen salir así, pero así ha sido. En Dogville, sólo sobrevive el perro, todos los demás habitantes mueren como tales. Grace acaba con todos, y sólo perdona al único que no le hizo daño de forma gratuita: "no matéis a Moses, dice ella al final de la película: "sólo está enfadado porque una vez le robé un hueso." Una dura lección sobre cúanto puede llegar a perdonar alguien y sufrir en nombre de la bondad supuestamente innata de todas las personas.

Título en español: Dogville
Título original: Dogville
Año de producción: 2003
Nacionalidad: Dinamarca (por fin cambiamos de país, ya era hora!)
Director: Lars Von Trier
Producción: Marianne Slot, Els Vandervorst,
Guión: Michael Gondry
Reparto: Nicole Kidman, Harriet Andersson,
Música: A. Vivaldi ? (ver el dato friki de más abajo)
Duración: 177 mín

Nota: En la wikipedia pone que la música es de Vivaldi... bueno, la música es barroca sin duda, pero lo cierto es que lo que suena en el capítulo cuarto no es de Vivaldi, es de Tomasso Albinoni, el Concierto en Re menor para oboe, (precioso!) y lo sé bien, porque lo he tocado. ;)

hace una línea...

Pos sí, he cambiado el título del blorg. Este es un pequeño homenaje hasta dónde puede llegar la estupidez humana... es un chiste privado, por supuesto, pero la frase es real. Os lo aseguro.

rebobine por favor

Be kind rewind es el nombre de un viejo videoclub de barrio que aún alquila cintas VHS. El edificio se cae a pedazos, y el negocio no parece tener mucho que hacer contra la competencia de los nuevos y enormes videoclubs . Su propietario, el señor Fletcher, dejará a cargo del negocio a Jerry durante un día, con la mala suerte de que Mike, el tarado del barrio, que ha sufrido un accidente y ha quedado "magnetizado", borra todas las cintas de vídeo al acercarse a ellas... Para salvar la situación, ambos comenzarán a grabar ellos mismos las películas, de una forma totalmente casera, consiguiendo un éxito arrollador en el barrio.
Con tal disparatado argumento, que nadie se espere una historia creíble y seria, ni mucho menos, Rebobine por favor (en inglés, be kind rewind) es una historia a medio caballo entre la realidad y la fantasía, que homenajea al cine, a los que hacen cine, y sobre todo a los que aman el cine, no sólo realizadores sino también el propio público. Fatts Waller, músico de jazz nacido en Harlen,es el héroe de Jerry y de Fletcher, el artista que, nacido en los suburbios, es apoyado desde el principio por el público más popular hasta acabar consiguiendo un reconocimiento mayor. Por eso Rebobine por favor es una gran película: divertida y conmovedora a veces, retrata el cine como lo que fue desde el principio y aún es: el arte de la gente y del público, alejado de los juicios elitistas de los críticos y el puro consumo audiovisual de efectos especiales y alta resolución de pantalla.


Título en español: Rebobine por favor
Título original: Be kind rewind
Año de producción: 2008
Nacionalidad: USA
Director: Michael Gondry
Producción: New Line Cinema
Guión: Michael Gondry
Reparto: Mos Def, Jack Black, Danny Glover, Mia Farrow, Melonie Diaz, Irv Gooch, Chadler Parker, Arjay Smith, Quinton Aaron
Música: Jean Michel Bernard
Duración: 101 mín

perversidad

Hay millones de películas en las que los personajes acaban metidos en un lío tras otro de forma constante... Ésta es una de ellas, Christopher Cross es un cajero, pintor frustrado y amargado por su detestable esposa, que conoce a una hermosa mujer, mucho más joven que él, llamada Kitty (Joann Bennett). Christopher se enamorará perdidamente de la joven, y se hará pasar por un pintor famoso. Kitty y su novio, aprovecharán la ocasión para engañarle y conseguir dinero a través de él. Cross, que obviamente no tiene un duro, intentará conseguir el dinero por sus propios medios. A partir de ahí, la cosa se irá complicando cada vez más...
Una película sobre engaño y la fijación amorosa, y también sobre el arte y sus críticos (siguiendo con el tema del anterior post, jeje). Lo que menos me convenció fue el final, que evidentemente no voy a contar, pero que es bastante triste y resulta un poco rollo moralina (todo crimen tiene su castigo, etc) La verdad me gustaría saber si estaba en la idea original, o fue puesto a posteriori por exigencias del productor...



Título en español: Perversidad
Título original: Scarlet Street
Año de producción: 1945
Nacionalidad: USA
Director: Frizt Lang
Producción: Universal Pictures
Guión: Dudley Nichols
Reparto: Edward G. Robinson, Joann Bennett, Dan Duryea, Margaret Lindsay, Rosalind Ivan
Música: Hans J. Salter
Duración: 95 mín
Blanco y negro

Portishead "Third" y la abstracción musical

Estaba yo un día tranquilamente escuchando la radio de last.fm, cuando sonó una canción de esas que hacen que te quedes parado en el sitio y pensando... ¿"he oído bien?" La canción en cuestión era "Machine Gun" de Portishead. El disco realmente ya lo había oído antes aunque ciertamente, creo que no en las condiciones adecuadas... Del caso es que después de la canción me conseguí a toda velocidad el disco. Y en efecto, mi impresión no era errónea. ¿Qué tiene de nuevo exactamente? Las melodías entrecortadas, el ritmo mecánico, machacón y sin ninguna relación aparente con la melodía, la voz , las armonías indecisas, y la constante sensación de que la canción puede salir ( y de hecho sale) por cualquier parte en cualquier momento...
Lo que a mí me llamó la atención y me motivó a escribir este post, es la relación directa que hay entre ese sonido "nuevo" y "diferente", y la música de la segunda mitad del siglo XX.

Durante el siglo XX, el arte occidental sufriría de una, si no varias revoluciones que darían lugar a incontables movimientos artísticos (expresionismos, cubismo, minimalismo, expresionismo abstracto..) todos ellos, en apariencia diferentes entres sí, tendrían algo en común: un rechazo a todo el arte anterior, figurativo, por medio de un procedimiento de abstracción cada vez mayor, o si se prefiere, que las formas las figuras y los objetos de los cuadros serían cada vez más indistinguibles, y acabarían convertidas en cuadrados, círculos, rayas o directamente, manchas. El camino del arte comtenporáneo hacia la abstracción ha sido estudiado por numerosos críticos que ven en el un reflejo claro de el "vacío simbólico" de nuestra sociedad. Sin meternos en discusiones metafísicas, este progresivo alejamiento de lo que es figurativo y en apariencia "real", no fue en absoluto exclusivo de la pintura.
En la música también se dio este cambio, aunque de forma menos conocida, los compositores de la segunda mitad del siglo XX comenzaron a experimentar con las melodías, el ritmo,el tiempo, los acordes, las escalas, etc para conseguir "eliminar" aquello que confería "sentido" y estructura a la obra musical. Todo lo que hacía, que la música sonase melódica, pegadiza, "predecible" en una palabra. En música, acabar con este "orden" melódico suponía irse alejando de lo que se llama "tonalidad". Para no ahondar mucho en el tema, la tonalidad en música contribuye en gran medida a que una canción pueda ser fácilmente recordada y cantada o bailada, y sobre todo lo que la hace más "predecible". La música así, seguía los pasos de la abstracción, era difícil decir si la melodía empezaba, o acababa, o si siquiera había alguna melodía...Muchas fueron las corrientes también que adoptó la música para lograr ésto, pero si algo tuvo también en común con la pintura fue lo siguiente: nadie entendía ni jota. La música Atonal, (que fue la más radical de estas apuestas) fue y es aún hoy, relegada al círculo de los críticos y los entendidos, jamás pasó al gran público, al público popular, que lo único que oía eran ruidos ... Y es que la sensación de unidad, de forma y el sentido en las obras de arte, parece ser indispensable para que las obras tengan acogida entre las masas. (Por cierto, vuelvo a recomendar el libro de Juanjo Sáez del que hablé en otra entrada llegados a este comentario ;))




Y referido a Portishead, el tema en principio de este post, me resulta curioso que tanto ellos como otros artistas, como Massive Attack, o Björk, estén utilizando algunos de los mismos procedimientos, y acaben logrando en algunas canciones la misma sensación de desconcierto que producen artistas como Debussy, Messiaen o, por poner al más radical Schöenberg, con respecto a la música que hasta entonces se escuchaba.

La música que se puede oír en "Third" parece estar hecha a trozos, de retazos de melodías, canciones y ritmos diferentes, y unida como un collage. Así las canciones no parecen tener una unidad definida, un principio, ni un final, ni una melodía realmente clara. Todo puede acabar de pronto, como ocurre con la canción "silence" o eternizarse en monótonos bucles. A veces se utilizan simples ruidos en la canción (que grande ese kilo hertzio del inicio de "magic doors") que contribuyen a generar esa impresión general de desconcierto, mezcla de puro ruido con música, etc.
Con esto no quiero decir, en ningún caso, que esta música sea atonal ( no lo es en ningún caso) pero sí que se va acercando a los primeros pasos, cuando se experimentó a poner a prueba la tonalidad, a ir explotándola y experimentando con ruidos, sonidos diferentes, deshaciendo la melodía y haciendo, en definitiva, una música menos clara y predecible. "Third" no es un disco que le pueda gustar a mucha gente, eso sí, desde luego será diferente para cualquiera acostumbrado a oír la típica música comercial.

El Último Refugio

En tren, me volví a ver otra peli de Walsh: "El último refugio" (en inglés, High Sierra) Ésta fue la primera película que protagonizó Humphrey Bogart, y la que le lanzaría a la fama.
Roy Earle (Humphrey Bogart)acaba de salir de la cárcel gracias a un indulto, pero será escogido como el cabecilla de un grupo de inexpertos para realizar un atraco a un hotel. Roy es un personaje solitario, aparentemente duro, marcado por su pasado en la cárcel, busca empezar una nueva vida de ansiada libertad, pero dar el último golpe con la compañía de sus tres desastrosos compañeros (y un perro!!) no parece nada fácil...

Una gran película que ensalza la libertad individual, personificada por Roy. Destacar, cómo no, el paisaje donde se desarrollan las escenas finales de la película y que le dan nombre, aún en blanco y negro, es un lugar impresionante. Curiosamente, esta es otra película junto con fallen angel en la que será la mujer quien persiga al hombre que en principio no la quiere en absoluto. Y que conste que no estamos hablando para nada de ningún tipo de femme fatale, sino más bien, de una especie de heroína que en su (aún así) reducido papel, ayudará al héroe principal a conseguir su objetivo y tratará de "salvarlo" de su azaroso destino.

Título en español: El último refugio
Título original: high sierra
Año de producción: 1941
Nacionalidad: USA
Director: Raoul Walsh
Producción: Warner Bross
Guión: John Huston & W.R Burnett
Reparto: Humphrey Bogart, Ida Lupino, Arthur Kennedy, Joan Leslie, Alan Curtis
Música: Adolph Deutsch
Duración: 100 mín
Blanco y negro

ángeles caídos

"Nacimos para recorrer el mundo igual que ángeles, para surcar el cielo a este lado de los cielos. Pero aquellos que caminan solos caen en la oscuridad y pierden la gracia . Y sólo el amor puede levantar a los ángeles caídos, pues sólo dos juntos pueden entrar en el Paraíso."

La poética cita es de la película "fallen angel", traducida al castellano como "ángel o diablo". Película considerada como perteneciente al género negro, aunque los que esperen una obra típica, con mucho gángster y tiroteos, se verán sin duda defraudados.
Eric Stanton (Dana Andrews) es un hombre solitario que se gana la vida como puede, de representante o de estafador. Llega a un pequeño pueblo, donde conoce a Stella, una hermosa camarera de la que se enamora. Pero Stella está hasta las narices de no tener nada serio, y le pedirá que se case con ella, si realmente la quiere. Eric entonces, intentará conseguir el dinero necesario casándose con otra mujer, esta bastante adinerada. Pero su plan no sale como él quería, y se verá envuelto en un asesinato. (si digo más, creo que cuento ya toda la película..)
Con todos los elementos del cine negro, la película gira en torno a dos mujeres, la buena o la que el protagonista justamente no desea, y la camarera, que como buena femme fatale, le acaba conduciendo al fracaso. Está entretenida, pero como ya he dicho, no es de lo más movido del cine negro, pues uno se pasa la mitad de la película pensando por dónde va a salir la cosa... el tema principal es más bien la soledad del protagonista y su relación con el amor. Como película romántica, más que de género propiamente negro, la verdad que una de las pocas que me han gustado.

Título en español: ángel o demonio
Título original: fallen angel
Año de producción: 1945
Nacionalidad: USA
Director: Otto Preminger
Producción: 20th Century Fox
Guión: Harry Kleiner
Reparto: Dana Andrews, Alicia Faye, LInda Darnell , Charles Bickford, Anne Revere, John Carradine, Bruce Cabot
Música: David Riskin
Duración: 97 minutos
Blanco y negro

Los doce del patíbulo ( o pq los soldados no se aprenderán la misión con rimas?)

Última peli vista, ya nos volvemos a salir del cine negro, esta vez una bélica, bastante conocida. Durante la Segunda Guerra Mundial, el mayor Reisman recibirá la orden de entrenar a un grupo de 12 hombres, todos criminales condenados a muerte o cadena perpetua, para realizar una dificultosa misión en territorio alemán. La labor no será nada fácil, pues ninguno de ellos está acostumbrado a actuar en grupo ni a obedecer a la autoridad.

La película está entretenida, y tiene varios toques de humor y es curiosa por la situación, pero algo fantástica en cuanto a las situaciones que los personajes viven, vamos, que nadie espere una película bélica realista, sino más bien una obra para entretenerse y pasar un buen rato (una frikada, vamos XD). Interesante el entrenamiento y cómo el mayor irá entrenando a sus hombres hasta conseguir hacer de ellos todo un grupo coordinado.

Título en español: Los doce del patíbulo
Título original: The dirty dozen
Año de producción: 1967
Nacionalidad: USA
Director: Robert Aldricht
Productor: Raymond Anzarut, Kenneth Hyman
Producción: Metro Goldwyn Mayer
Guión: Nunnally Johnson & Lukas Heller
Reparto: Lee Marvin, Charles Bronson, Donald Sutherland, Ernest Borgnine, George Kennedy, Ralph Meeker, John Cassavetes, Telly Savalas.
Música: Frank DeVol
Duración: 145 minutos
1 Óscar por efectos de sonido

El Arte de Juanjo Sáez

Cuando cada vez son menos los que tienen la osadía de acercarse a un museo de arte contemporáneo, y a los llamados "artistas" se les ocurre exponer cada cosas más inexplicables en el nombre del arte, no puede lo menos que agradecerse que aparezca un libro como éste. Juanjo Saéz, mediante dibujos simples, escritura a mano alzada con incluso tachones, comenta lo que el arte no es, si no debería ser actualmente para los artistas y las personas que están hartas de no entender ningún cuadro.

El libro cayó en mis manos y fue devorado sin piedad, y se lo recomiendo a cualquiera, en especial si es de esa gente que está hasta las narices de sentirse estúpido ante algunas obras de arte. La visión de Juanjo apuesta por una forma de entender el arte más plural y alejada del mito de la crítica y los llamados Genios. Pone a parir a más de un artista y hace un pequeño repaso por algunos movimientos y artistas del siglo XX, como Picasso, el Cubismo y Warhol, etc. No es el primer libro que escribe este hombre, ahora estoy a ver si localizo más de él, como "Viviendo del cuento".

Titulo: El arte. Conversaciones imaginarias con mi madre
Autor: Juanjo Sáez
Editorial: Mondadori
Colección: Reservoir books

Hard Candy (el caramelo bestia)

Hace poco que volví a ver esta peli. Es más reciente (comparada con todas las que he comentado antes), concretamente del 2005.
Hayley, una chica adolescente muy inteligente para su edad, queda con Jeff, un fotógrafo de 30 años al que ha conocido en la red. Ambos acabarán yendo a casa de él, pero Hayley cree que Jeff no es quien aparenta, y usará sus propios y retorcidos métodos para hacerle confesar. Con la pederastia como tema de fondo, la situación (un poco descabellada, todo hay que decirlo)no es tan fantástica como parece: está basado en casos reales que tuvieron lugar en en Japón, claro que se trataba de varias chicas actuando en grupo, y no de una sola.

Lo destacable de la película, para mí, no es tanto su temática como es su tratamiento del suspense que se realiza desde el primer momento, cuando el espectador sospecha que algo no va bien. La tensión va aumentando conforme va pasando la película, hasta llegar a hacerse desagradable: he de advertir que es una de esas pocas películas que pueden hacer que la gente se sienta realmente mal viéndola, sin que aparezca en pantalla nada en absoluto. Con todos los festivales de casquería que hay últimamente en el cine, conseguir ésto, sin recurrir al gore barato no es habitual, y requiere de un buen trabajo de dirección. Como otro punto, fuerte, la película cuenta con el gran trabajo de interpretación de Ellen Page, en el papel de Hayley.

Título en español: Hard Candy
Título original: Hard Candy
Año de producción: 2005
Nacionalidad: USA
Director: David Slade
Productor: David Higgins, Richard Hutton y Michael Caldwell
Producción: Lions Gate Films
Guión: Brian Nelson
Reparto: Patrick Wilson, Ellen Page, Sandra Oh, Odessa Rae, Gilbert Jones
Música Molly Nyman y Harry Escott
Duración: 105 minutos

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Perdición

Más pelis de cine negro. Esta es otra de las obras maestras, esta vez de Billy Wilder, de título original "Double Indemnity". La película toma por base una novela de James M. Cain. La novela de Cain, estaba basada en un caso real ocurrido durante los años 20, y había estado rodando por todo Hollywood varios años, pues nadie se atrevía a rodarla estando vigente el Código Hays. La película de Wilder fue un éxito de crítica, y estuvo nominada a 6 óscars. A mí me encantó. Entre otras cosas, porque se trata de una película de cine negro donde los protagonistas no son gángsters ni mafiosos o matones, sino personas corrientes. Waltter Neff es un vendedor de seguros que se verá irremisiblemente atraído por la hermosa Phillis Dietrichson para matar a su esposo y cobrar la póliza. Para ello, Walter se valdrá de todas las argucias aprendidas en su oficio y hacer pasar por accidente lo que es realmente un asesinato.

Dato gracioso de la película, la peluca de la señora Dietrichson fue un auténtico fiasco, cosa reconocida por miembros del equipo tras visionar las primeras tomas: "hemos contratado a Barbara Stanwyck, pero tenemos a George Washington" llegarían a decir, pero ya era demasiado tarde. Wilder, al respecto, diría después que había sido idea suya que el personaje tuviese ese aire "ridículo".


Título en español: Perdición
Título original: Double Indemnity
Año de producción: 1944
Nacionalidad: USA
Director: Billy Wilder
Productor: Joseph Sistrom.
Producción: Paramount Pictures.
Guión: Raymond Chandler y Billy Wilder, según la novela Double de James M. Cain
Reparto: Fred MacMurray, Barbara Stanwyck, Edward G. Robinson, Porter Hall, Jean Heather
Duración: 107 minutos
Blanco y Negro